Scrivere i risvolti

Quentin Formaggino

Da Quentin Tarantino al Formaggino Grünland, passando per Goldrake e Lévi-Strauss. Questo, tanto per dire, era il Forum Cinema di Kataweb. Una manica di cazzari di talento che prendevano molto seriamente il gioco della critica cinematografica; oppure, viceversa, in modo giocoso qualcosa di serissimo (non l‘ho mai capito).

• Kissoff
• Inviato: Mar Nov 18, 2003 6:54 pm
• Titolo: Tarantino, la riconciliazione tradita
  

Non sono un ammiratore sfrenato di Tarantino e non ho amato Pulp Fiction, sebbene possa essere considerato il titolo per eccellenza della mia generazione. E del resto, se si eccettua l'ottimo Jackie Brown, credo che anche per Kill Bill, come in altri film del regista, sia inutile cercarvi un significato che vada oltre l'apparenza del dato presentato, dell'immagine messa in scena, della storia - più o meno scandagliata - attraverso la psicologia - più o meno abbozzata - dei personaggi. Tarantino gioca. Gioca con il caos di questi anni in cui la verità si frappone alla menzogna (Matrix), l'estetica anziché informare sul contenuto dell'etica diventa l'etica stessa, il bene e il male (cereali killer assassini?), il giusto e l'ingiusto. E gioca al cinema, rendendo tutto questo palese combinando i linguaggi (il cinema tradizionale con quello d'animazione), mostrando interni domestici visibilmente finti in cui con inquadrature dall'alto si vedono i personaggi transitare dal soggiorno alla cucina, come in un plastico del quale non c'è bambino che non abbia memoria e non abbia avuto voglia di possedere. Tarantino gioca con il sangue (troppo), con la furia hong-konghese di Bruce Lee che pesta Chuck Norris a colpi di Kung Fu al Colosseo di Roma (L'urlo di Chen terrorizza anche l'Occidente) oppure - come mi suggerivano tempo fa dalla regia - citando Hannibal the Cannibal nell'asportazione della calotta cranica di O-Ren. Gioca con il mito delle discipline orientali che agli occhi dell'occidente vengono restituiti, come da sempre avviene, in una forma spettacolarizzata, evirata di tutto quel che c'è nel substrato culturale delle arti marziali (la conoscenza di sé, il dialogo costante con la morte di ogni guerriero, il codice da rispettare). E infatti tutto è esagerato, gonfiato, dilatato. L'azione guerriera di Black Mamba si esaurisce in una susseguenza di salti impossibili, tecniche di respirazione improbabili, manipolazione elegante ma implausibile della katana. Tarantino gioca con il gusto del melo tipico delle cinematografie orientali che ravanano nel lacrimoso da cui si genera l'odio e il senso di vendetta (Goldrake che difende la terra contro le forze di Vega, distruttrici del suo pianeta d'origine. Stessa pasta). E dunque ecco cos'è Kill Bill (o almeno come l'ho interpretato): un gioco, un gioco ben condotto (ottimo tecnicamente) in cui come in un'opera di pop art statica si uniscono temi e motivi di una cultura (l'occidentale) che ormai ha collettivizzato ogni topos e trita tutto nel proprio rutilante codice sempre più in crisi di valori e di riferimenti (tra cui Sergio Leone, cantore di un'epopea western di plastica, cfr. Sam Peckinpah) ma poi neanche tanto ma forse anche troppo. E poi chissenefrega? È così. Un Regista non è un predicatore né un futurologo. Tarantino gioca con il suo/nostro Tempo, lo esaspera, lo illustra, lo distorce e ce lo mostra. Visionario, rutilante, smaccatamente falso così come lo abbiamo costruito e come lo rendiamo vero giorno per giorno tradendo magari le intenzioni post secondo conflitto bellico di inventare una nuova morale, abortita in Vietnam ieri ed in Iraq oggi come la gravidanza di Black Mamba. Insomma, uno scherzo quello di Tarantino. Ma come diceva Sordi ne Il Marchese del Grillo: "Quando se scherza bisogna esse' seri". E Tarantino scherza facendo seriamente del cinema.

• Pim
• Inviato: Mer Nov 19, 2003 2:33 pm
• Titolo: Quentin Formaggino

A me diverte paragonare Tarantino ai formaggini della nostra infanzia. Chi può dire di non averne mai assaggiato uno? Io lo spalmavo sul pane, e, confesso, ogni tanto lo faccio ancora. Basta non domandarsi troppo cosa c'è dentro (di sicuro non più i polifosfati, almeno) e regredire allegramente alla verde età senza pensare a cosa si sta mangiando. Tarantino è come uno di quei formaggini. Si può dirne legittimamente tutto e il contrario di tutto: non si sbaglia mai. I detrattori saranno sempre in numero uguale agli estimatori e ciascuno porterà elementi a proprio favore. Come per il Postmoderno. Alla fin fine, però, per non sbagliare io preferisco sempre un buon formaggio: magari la Fontina della Valle d'Aosta (mia sorella la pusher) oppure il Pont l'Évêque della Normandia (per fare l'esterofilo). A parte la metafora aterogenica, vorrei vedere Quentin Formaggino... pardon, Tarantino alle prese con qualcosa di più impegnativo che qualche sbudellamento. La qualità dell'Autore è indiscutibile. Sarebbe tempo che smettesse di sprecarla per farne dei formaggini.

• Kissoff
• Inviato: Mer Nov 19, 2003 7:42 pm
• Titolo: Re: Quentin Formaggino

Tsk! Tsk! Che dilettante che sei, Amico mio! Il formaggino non andava spalmato sul pane. Si faceva un forellino al vertice del triangolo (da evitare i Grünland che erano rotondi) e poi si spremeva facendo fuoriuscire il contenuto come dentifricio. L'abilità consisteva nell'evitare lo scapaccione che arrivava puntuale dal solito adulto educato e di buonsenso che si trovava nei paraggi. I più abili lo mangiavano così a tavola, spacciandolo come l'unico metodo possibile per evitare dolori di pancia, diversamente si sarebbe dato corso per rappresaglia allo sciopero della fame. Comunque coraggio, puoi recuperare. In fondo 'It's never too late'.

• Pim
• Inviato: Ven Nov 21, 2003 7:52 am 
• Titolo: Re: Sulle modalità d'assunzione del formaggino (per Kissoff)

Riguardo alle modalità d’assunzione del formaggino coesistono diverse scuole di pensiero. Per lungo tempo, ho aderito a quella di stampo bulimico-materialista, secondo la quale il formaggino si deve suggere direttamente dalla carta d'alluminio. L’ho abbandonata quando sono stato reso edotto delle possibili complicanze tossiche e del rischio di ingurgitare l’etichetta - oltre che di contravvenirla. Ho quindi rimodellato il mio comportamento, rendendolo socialmente più accettabile. Ho cominciato a spalmare il formaggino sul pane seguendo il rituale che si rifà all’antropologia strutturale di Lévi-Strauss. In ogni caso, tutte le correnti filosofiche si sono sempre opposte alla tecnica di sciogliere il formaggino nella minestra – come molte madri suggestionate dalla pubblicità ingannevole solevano fare. Viene infatti a prodursi un liquame immondo (dalle mie parti detto pàuta) d’aspetto analogo a ciò che doveva essere il brodo primordiale e di sapore non dissimile da quello dell’acqua saponata.

Soprassediamo

Il posto delle fragole, Jules et Jim, Uccellacci e uccellini, Il matrimonio di Maria Braun. Li vidi da ragazzino al cineforum, genere di locale piuttosto fumoso frequentato nel secolo scorso da carbonari e tupamaros. Parte integrante dell'arredamento erano i sedili di legno cigolante, strumento di tortura tanto semplice quanto crudele. La tremenda durezza scongiurava il raggiungimento di un equilibrio stabile, provocando il lento ma inesorabile logoramento dei glutei. Lo schienale terminava proprio sotto le scapole, in modo che fosse impossibile appoggiare la testa, e infliggeva allo spettatore spietate fitte a livello della regione cervicale. Qualcuno si sistemava allora nella classica posizione fetale, portando le ginocchia all'altezza dell'addome e appallottolandosi come un armadillo (il noto animillo che galippa galippa). Qualcun altro tentava quella ginecologica, allungando i piedi sul sedile davanti, con il rischio di decapitare qualche malcapitato. Per compenso, non si poteva assolutamente scivolare in terra: lo spazio tra le file era talmente ridotto che a stento ci stavano le gambe. Pomiciare lì sotto sarebbe stato un gran numero di contorsionismo circense.

Insomma: altro che le poltrone supercomode e superergonomiche delle multisale di oggi, disposte in modo tale che tra una serie e l’altra ci transiti un tir, su cui si può comodamente sonnecchiare, parlare al cellulare, rimpinzarsi di popcorn e cocacola. Quanto al film... massì, soprassediamo.

L'arte dei suoni e Giorgio Gaber

Cos’è la musica? La musica è l’arte dei suoni. Così recitava la formuletta imparata alle scuole medie e tale resta la mia convinzione. Musica come espressione sonora delle emozioni. Sebbene il fascino delle parole sia irresistibile, ho sempre ritenuto che la parte testuale fosse complementare, funzionale alla melodia. Ecco il motivo per cui non ho mai amato le canzoni verbose, le canzoni-comizio, nelle quali la musica soffoca sotto una coltre logorroica. Il motivo per cui non ho mai amato Bob Dylan e le sue tiritere adenoidali. Il motivo per cui, per lungo tempo, non ho amato Fabrizio De Andrè: quattro accordi in croce e la chitarra grattugiata come una forma di parmigiano. Tron tron tron. Su De Andrè ho finito per cambiare idea, ma forse la cambiò pure lui che, ad un certo punto della carriera, prese a rivestire i suoi brani di arrangiamenti più strutturati.

Discorso analogo per Giorgio Gaber. La carica umana di simpatia e la comunicativa mi erano note fin dalla fine dei ’60, quando in età prescolare ascoltavo le stralunate Torpedo blu e Il Riccardo. In seguito uscì dal fuoco della mia attenzione e l’eco dei suoi lavori teatrali prese a giungermi solo da lontano. Per non dire dell'articolata visione politica ed esistenziale che proponeva. Erano anni, quelli sul limitare degli ’80, in cui appena adolescente faticavo anch’io a collocarmi tra l’impegno e il non so (più il secondo che il primo): eppure la voce recitante di Gaber toglieva respiro al mio desiderio di musica come (appunto) arte dei suoni. I suoi spettacoli, l'ampio spazio riservato ai monologhi, c’entravano più con il teatro sociale che con la canorità. Lo ammiravo come interprete geniale, ironico, aspro, a volte impietoso, ma questo prevalere della parola sulla musica me lo faceva apparire “altro”. Più Brecht che canzone d'autore.

Lo ammetto: il mio era un giudizio scentrato, fondato su più di qualche pregiudizio (artistico) e una certa impreparazione culturale. Nel tempo ho (ri)visitato molti dei suoi lavori inquadrandoli in un genere, quello del teatro-canzone, in cui parti recitate e cantate prendono forza vicendevolmente senza in effetti sopraffarsi. Questione di cambiamento di gusti, di maturazione personale, di attribuzione di un senso che prima avevo messo tra parentesi. Temi civili come quello dell’uomo schiacciato dalla società dei consumi, oppresso dalla politicizzazione strumentale, costretto a fare i conti con la fine delle ideologie, rimangono attualissimi in questi anni affollati di miserie. Ma anche le esperienze, i dubbi e i tormenti privati che inducono ognuno di noi a stendere un bilancio quantomeno disarmato della propria vita.

Un ragazzo intelligente

<< Ho risposto bene alla tua domanda? >>. Con L. accade spesso di scherzare, è una donna dal senso dell’umorismo spiccato e ridere insieme rafforza la complicità. << Sei un ragazzo intelligente >>, commenta. << Ti ringrazio, è un bellissimo complimento >>. Inseguo un pensiero. << Davvero. E non mi riferisco al fatto che mi consideri intelligente, questo è ancora da dimostrare, ma perché mi hai chiamato ragazzo >>. A diventare intelligenti c’è sempre tempo, non più molto ormai per essere un ragazzo.

Sette anni

Ogni giorno così. Risalgo Park Line a piedi passando per Hyde Corner, la seggiola a tracolla, incurante del tempo e degli impegni. Costeggio i giardini e i parchi gioco, lasciando sulla sinistra la traversa di Serpentine Road. Se la temperatura è mite mi fermo ad un chiosco per un tè, altrimenti proseguo di buon passo verso Marble Arch. Lessi da qualche parte che in questo luogo detto Tyburn si tenevano le pubbliche esecuzioni - una specie di Rondò della Forca -, quindi fu sede di grandi manifestazioni popolari nel XIX secolo. Ora lo chiamano Speakers’ Corner, il palcoscenico ideale per oratori improvvisati come me.

È qui che vengo idealmente da sette anni, qui che mi levo in piedi sulla seggiola e do voce ai miei risvolti. Certo, sono passati quei tempi in cui si radunava una folla anonima sorprendentemente vasta, dovevo tuttavia immaginare che non si può restare troppo a lungo ospiti di Kensington Palace. Poco importa però se adesso i frequentatori oltrepassano distratti o visibilmente indaffarati. Contano i visi diventati riconoscibili e i sorrisi che si aprono ormai familiari, un po’ complici e un po’ indulgenti. Salendo e scendendo da questa seggiola ho capito che la vita non è fatta soltanto di parole ma soprattutto di sguardi, di vicinanze, di emozioni. Cioè di qualcosa che non so dire a voi e quasi neppure a me stesso. Qualcosa di segreto da cui giunge un’impressione piacevole di calore, un profumo di casa, di pane imburrato, di viole e molto altro ancora.

Pim

Appunti a margine sul Volume 2

(Pubblicato sul Forum Cinema di Kataweb il 28 aprile 2004)

- Meglio il 2

Il Volume 2 chiude degnamente la vicenda Kill Bill, completa e dà significato al primo episodio. Ma non è tutto. Si capisce la volontà di Tarantino, che ha voluto due parti ben distinte. La seconda non è il semplice proseguimento della prima, ne costituisce una sorta di variazione basata sugli stessi elementi visti da una differente prospettiva. Più western che Jackie Chan, più Sergio Leone che kung-fu movie. Ritmo pacato, lunghi dialoghi, si concede un respiro profondo, unisce dolcezza e crudeltà in un taglio riflessivo. Ed è intrisa di un rigore etico sorprendentemente tradizionalista (l’istinto materno che prevale su ogni cosa). Tralasciando gli aspetti tecnici, che pure confermano la grande perizia del regista, Kill Bill: Volume 2 mi è parso più godibile del Primo.

- Sequenze

Quella claustrofobica del seppellimento della Sposa (schermo nero, solo rumori) entrerà nelle antologie. Edgar Allan Poe si sarebbe spellato le mani dagli applausi. Da cineteca la dotta disquisizione di Bill sui supereroi: “Clark Kent rappresenta la critica di Superman alla razza umana” è un’affermazione che ci schiude inedite prospettive filosofiche, su cui varrebbe la pena ragionare seriamente.

- Postmoderno

Quando leggo o sento questa parola vengo preso da orripilazione: ha assunto un significato talmente onnicomprensivo da non significare più niente. In effetti, però, credo che Tarantino sia postmoderno almeno come atteggiamento mentale: rivisita il passato in maniera non innocente, con consapevolezza e sense of humour. Citando Eco, il tipico atteggiamento della persona molto colta (e Tarantino è un cinefilo straordinario), la quale sa che non si può più dire a una donna “Ti amo disperatamente” perché entrambi sanno che questa frase l’ha già scritta Liala ed è diventata un topos. La soluzione sarebbe allora “Come direbbe Liala, ti amo disperatamente”: esplicitando la citazione si fa ugualmente una dichiarazione d’amore, evitando il tranello del già detto e giocando intenzionalmente al gioco dell’ironia. Tarantino è postmoderno e anche un grande Autore, perché si permette di rifare la storia del Cinema popolare con disinvolta leggerezza. Non lo imita e non lo porta sulle spalle come un peso, lo ripropone in modo creativo.

- Dissonanze

I conti, però, non tornano del tutto. È ovvio che se un film ottiene il consenso del pubblico significa che piace. Ma l’equazione è la spia anche di qualcosa d’altro, cioè che il film dà al pubblico esattamente ciò che vuole. La saga di Kill Bill dà in effetti allo spettatore quello che si aspetta gli dia Tarantino. All’inizio della sua carriera le cose erano andate invece diversamente, Le Iene e Pulp Fiction avevano suscitato infatti diffuse reazioni negative. E allora? La sensazione è che Kill Bill nel suo insieme sia stato fin troppo apprezzato, e questo mi lascia perplesso. Il postmoderno (appunto) è diventato, pian piano, tradizione: ciò che allo spettatore appariva inaccettabile dieci anni fa, adesso è luce per gli occhi. C’è stato uno spostamento progressivo del gusto verso una soglia più alta. Dunque mi domando: cosa farà in futuro Tarantino, ora che la provocazione è diventata norma?

Kill Bill - Volume 2, di Quentin Tarantino, con Uma Thurman, David Carradine, Daryl Hannah, Michael Madsen, Gordon Liu (Usa, 2003, 110'). Giovedì 17 gennaio 2013, ore 21,05, Iris Tv.

Kill Bill - Volume 1

(Pubblicato sul Forum CInema di Kataweb il 14 novembre 2003 e su Blu Agorà Caffè l’11 novembre 2004)

Rottura per rottura, occhio per occhio, dente per dente. Il perdono cristiano fortifica l’Io ma non fa spettacolo e il concetto di giustizia come virtù per eccellenza è roba da filosofi. Meglio la legge del taglione. La spada del samurai, nel nostro caso. Consiglio dello chef: la vendetta è un piatto che va servito freddo. Indigestione garantita.

Kill Bill - Volume 1 segue regole piuttosto prevedibili. Dopo essere stata mezza massacrata nel giorno delle nozze, Black Mamba ritorna alla vita con l’unico scopo di vendicarsi dei carnefici, i quali le hanno pure sottratto la figlia che serbava in grembo. Mette giù una lista (segna-e-depenna) e via. Giustizia fai-da-te. I motivi che hanno condotto alla carneficina iniziale verranno rivelati soltanto alla fine del Volume 2 (attendiamo fiduciosi), risulta perciò difficile identificarsi più di tanto con la furia omicida della Sposa, semplicemente proporzionale alla violenza subita. Un’autentica ossessione.

C’è un’eccessiva semplificazione dei meccanismi attraverso i quali il regolamento di conti si mette in atto. La messinscena appare coreografica ed elaborata ma, alla fine, tutto si materializza in decine di arti amputati, teste mozzate, con grandi spruzzi ematici per ogni dove. Diversamente da altri film, Tarantino non rappresenta la violenza allo scopo di esorcizzarla: anzi, alla vicenda manca proprio quell’umorismo squinternato e sghignazzante che a me piaceva assai.

La narrazione segue allora canoni elementari, senza riservare sostanziali sorprese. All’ennesimo sbudellamento mi è sfuggito uno sbadiglio. Repetita iuvant, sed stufant. La confezione è eccellente, nulla da dire, Tarantino si colloca tra i registi che appartengono alla schiera dei visionari, però qui scivola nella maniera. Kill Bill non colpisce, non emoziona, non coinvolge. Il risultato finale lascia freddi come la sete di vendetta di Black Mamba. In certi momenti sembra La Tigre e il Dragone, in altri un qualunque film di John Woo. Spettacolare, sì, ma privo di anima. Più spolpato che pulp.

Kill Bill - Volume 1, di Quentin Tarantino, con Uma Thurman, Lucy Liu, Daryl Hannah, Michael Madsen, David Carradine (Usa, 2003, 111’). Mercoledì 16 gennaio 2013, ore 21,05, Iris Tv.

"Un sacco!"

Isaac: << Ma quante volte puoi fare l'amore in una notte? >>.
Tracy: << Tante... un sacco! >>.
Isaac: << Me ne sono accorto... un sacco è il mio numero preferito >>.

(Woody Allen e Mariel Hemingway, Manhattan)

Mariangela

Vidi Mariangela al Teatro Carignano qualcosa come venticinque anni fa, interpretava una Medea di commovente spessore. Mi piace ora ricordarla in una divertente sequenza di Mimì metallurgico girata al Valentino insieme a Giancarlo Giannini. Che il riposo le sia dolce...

Freud, passioni segrete

I rapporti tra Freud e il cinema furono piuttosto controversi. Diciamo pure che il padre fondatore della psicoanalisi provava una decisa avversione nei confronti dell’arte più rappresentativa del XX secolo. Suscitò clamore il telegramma con cui nel 1925 rifiutava il compenso di 100.000 dollari offerto dal produttore Samuel Goodwin in cambio della collaborazione a un film che doveva rievocare le principali vicende amorose della storia (come quella tra Antonio e Cleopatra). Più possibilista, e forse venale, il presidente della Società Psicoanalitica Internazionale Karl Abraham, il quale accolse invece la proposta del produttore tedesco Hans Neumann di realizzare un film di divulgazione sulla psicoanalisi girato da Wilhelm Pabst.

Lo stesso Abraham, amico e sodale di Freud nonché analista di Melanie Klein, tentò inutilmente di convincerlo. “Suppongo, caro Professore, che lei non manifesterà per questo progetto una simpatia smisurata, ma sarà obbligato a riconoscere la costrizione che motivi di ordine pratico fanno pesare su di noi”, scriveva. “Non ho bisogno di dirle che questo progetto è conforme allo spirito del nostro tempo e che sarà sicuramente messo in atto: se non con noi, lo sarà sicuramente con persone incompetenti. A Berlino abbiamo un gran numero di psicoanalisti ‘selvaggi’ che si precipiteranno avidamente sull’offerta, nel caso la rifiutassimo”. Dalle parole di Abraham traggo un riferimento malevolo a Georg Groddeck (che si definiva appunto uno psicoanalista selvaggio), ben più brillante e – facile dedurlo – meno attaccato di lui alla vil pecunia.

Freud ripeté la propria contrarietà in una lettera indirizzata a un altro importante psicoanalista dell’epoca, Sándor Ferenczi. “La riduzione cinematografica sembra inevitabile, così come i capelli alla maschietta, ma io non me li faccio fare e personalmente non voglio avere nulla a che spartire con storie di questo genere”. L’idea di vedere nonno Sigismondo pettinato come Betty Boop fa sorridere. “La mia obiezione principale”, proseguiva”, “rimane quella che non è possibile fare delle nostre astrazioni una presentazione dinamica che si rispetti un po’. Non daremo comunque la nostra approvazione a qualcosa di insipido”.

Chi aveva ragione: il dogmatico Freud o il più disponibile Abraham? Come la psicoanalisi insegna, non è possibile dare una risposta. Dipende dai punti di vista. Storicamente, il cinema ha contribuito a diffondere le tematiche proprie della psicoanalisi pur spesso banalizzandole. In ogni caso, nonno Sigismondo non avrebbe apprezzato il biopic che John Huston gli dedicò nel 1962. A cominciare dal titolo: Freud: The Secret Passion. Si potrebbe definire come una specie di detective story (in cui il colpevole è l’Inconscio, ovvio) che si sviluppa tra il 1885 e il 1890: anni in cui il giovane Sigmund segue le lezioni di Charcot alla Salpêtrière, apprende la tecnica dell’ipnosi per il trattamento dell’isteria, quindi inizia a collaborare con il medico viennese Josef Breuer. Fu proprio questa collaborazione a imprimere un corso nuovo alle sue idee, l’abbandono del metodo ipnotico e la formulazione delle prime ipotesi sulla struttura della mente. La ricostruzione storica è fedele, sebbene macchinosa ed eccessivamente didascalica (tralasciando, non per caso, il tema della sessualità infantile). Piuttosto ridicola appare invece l’atmosfera oscura e misteriosa in cui si muovono i personaggi, che sembrano dei santoni dediti a pratiche pseudomagiche.

La sceneggiatura iniziale fu redatta nientemeno che da Jean-Paul Sartre, ma prevedeva un film della durata di otto ore che i produttori bocciarono immediatamente. Fu John Huston stesso a sfrondare la trama (si fa per dire, 140’ ridotti poi ulteriormente a 120’), a ben pensarci l’identico trattamento che gli americani hanno riservato alla psicoanalisi. Così Freud “diventa un certo tipo di genio malato e infervorato che coglie le risposte giuste nel limbo dell'ispirazione” (parola di regista). Ne veste tuttavia in modo credibile i panni Montgomery Clift, già minato nella salute fisica e dalla depressione, in una delle sue ultime apparizioni.

Freud, passioni segrete (Freud: The Secret Passion), di John Huston, con Montgomery Clift, Susannah York, Larry Parks (Usa, 1962, 120’). Giovedì 10 gennaio, ore 6,30, Raimovie. Il film è anche disponibile, a pezzi e bocconi, su Youtube. (Citazioni tratte da “Curare con il cinema”, di Ignazio Senatore, Centro Scientifico Editore).

La passione per il cinema ci ha fatto incontrare

La passione per il cinema ci ha fatto incontrare. Abbiamo condiviso l’oscurità luminosa della sala, il calore delle mani unite, le emozioni di istanti sospesi sulle pareti del tempo. Resta impresso nella memoria, fotogramma per fotogramma, un flusso di immagini che non sbiadisce né può essere archiviato. Nello specchio dei nostri occhi se ne scorge ancora il bagliore.

Carabas

“Com'è possibile che non esista il marchese di Carabas visto che anche il gatto con gli stivali dice di essere al suo servizio?”

(Umberto Eco, Il pendolo di Foucault)

 

Sull'educazione al pensiero razionale.

Nel finale sulla riva del mare

“Nel finale sulla riva del mare, dopo l’apparizione del pesce-mostro che sembra simbolizzare il male in assoluto, abbastanza lontana perché il vento se ne porti via le parole, Paolina chiama Marcello, vorrebbe dire qualcosa. L’eroe felliniano è sordo come sempre: ma forse avvertiamo, nel sorriso enigmatico della ragazzina, la possibilità che per lui la partita non sia chiusa”.

(Tullio Kezich, Federico. Fellini, la vita e i film, Feltrinelli)