Scrivere i risvolti

La sottile linea di discrimine

È divenuta ormai esilissima la linea di discrimine tra la strategia terroristica organizzata secondo modelli riconoscibili e l’attacco individuale eseguito da soggetti psichicamente instabili, socialmente disadattati che - per riscattare la propria esistenza - agiscono per imitazione o suggestione riparandosi sotto la copertura del radicalismo islamico.

Zygmunt, Marshall e gli altri

Zygmunt Bauman, scomparso ieri alla veneranda età di novantun anni, è uno degli autori contemporanei il cui pensiero è stato più saccheggiato e banalizzato. La metafora da lui coniata di società liquida viene citata ovunque e da chiunque - nella maggior parte dei casi a sproposito - per avvalorare questa o quella opinione. Pochi sono però quelli che si sono premurati di leggere davvero i suoi lavori, molto densi e non immediatamente comprensibili da chi non possegga conoscenze di sociologia e filosofia.

Il destino di Bauman somiglia a quello di altri intellettuali come Noam Chomski e Marshall McLuhan, nominati sovente in maniera indebita. Per non dire di Umberto Eco, i suoi libri fanno spesso bella mostra nei salotti senza essere mai stati aperti una sola volta. McLuhan fu colui che usò la celebre espressione villaggio globale, di cui i media abusano sino a svuotarla di significato. Non molti sanno che fece una comparsata in Io & Annie dove, entrando a sorpresa in scena, replica a muso duro a uno spettatore in coda alla cassa di un cinema.

Ecco, nel 1977 Woody Allen aveva già capito tutto: << Marshall McLuhan... ma lei sa niente di Marshall McLuhan? >>.

Jacques Le Goff

Il suo nome mi suonava familiare sin dai banchi del liceo, insieme a quelli di Bloch e Auerbach. Ed è stato piacevole ritrovarlo nei miei studi più recenti, come un vecchio compagno il cui ricordo rimaneva sospeso nella memoria in attesa di tempi nuovi. Mi appassionava il suo metodo di ricostruire la storia attraverso un'impostazione interdisciplinare che comprendeva sociologia, psicologia (soprattutto), economia, arte, scienza, religione. Secondo questa visione, per una reale comprensione degli avvenimenti la ricerca doveva indagare i modi di pensare e agire collettivi, come viene a formarsi una “mentalità” e come essa influenzi scelte, comportamenti, atteggiamenti. La storia della mentalità, in quanto campo di studi autonomo, si coagulò intorno alla rivista Annales d’histoire économique et sociale di cui Le Goff fu direttore. Molti autori (soprattutto di orientamento marxista) rilevarono i limiti di tale visione, sostanzialmente interclassista, che tendeva a ridurre i fatti sociali a fatti psicologici. Le Goff precisò che era invece possibile individuare le classi e le mentalità di classe attraverso lo studio della sensibilità collettiva. Il suo L’Europa raccontata ai ragazzi - un piccolo saggio che spiega il senso di un’Europa unita e la fortuna che abbiamo di viverci - dovrebbe costituire una lettura obbligatoria, soprattutto di questi tempi. E non soltanto per i ragazzi.

Lo sguardo universale di Paolo Sorrentino

La grande bellezza è un film affascinante ma imperfetto, squilibrato in molte parti, rimpinzato di dialoghi artefatti. Come spiegarne allora il consenso planetario ottenuto, suffragato peraltro dalla vittoria dell’Oscar? Sarebbe troppo semplicistico dire perché mette in scena la concezione (stereotipata, vagamente Kitsch) che il mondo ha dell’Italia contemporanea, sì bella e perduta: un Paese abbarbicato ai fasti del passato storico che si protende su un presente vuoto e privo di valore/i. C’è molto, molto di più.

Sorrentino ha saputo cogliere con rara potenza espressiva lo spirito del tempo che aleggia sull’intera civiltà occidentale postmoderna, arenatasi in una grave crisi di identità sociale, culturale, politica. Lo ha fatto raccontando la disperata inutilità della Roma attuale ma arricchendo il testo filmico di uno sguardo alto, visionario, che lo rende drammaticamente universale. Se esiste una via di salvezza, essa consiste in un percorso di ritorno alle nostre radici per ricostruirne il senso, in modo da produrre un cambiamento e una realtà nuova nella quale riconoscerci.

Il Petroliere

Paul Thomas Anderson è un fuoriclasse. I suoi film pesano, sovraccarichi di toni e umori, ma sono espressione di vero cinema. Ieri sera ho visto con ammirazione Il Petroliere (anodino titolo italiano di There Will Be Blood), epopea di un minatore arricchitosi con l’oro nero tra la fine dell’Ottocento e gli anni ’30 del Novecento. Tema di fondo: l’individualismo possessivo tipicamente americano, motore di un capitalismo avventuroso e spregiudicato. La ricerca spasmodica del profitto si fonda sulla manipolazione, sulla sopraffazione quasi animalesca. Al termine della scalata non ci può essere che il baratro dell’annichilimento.

Il Petroliere (There Will Be Blood), di Paul Thomas Anderson, con Daniel Day-Lewis, Paul Dano, Kevin J. O'Connor, Ciarán Hinds (Usa, 2007, 158’). Mercoledì 7 agosto 2013, ore 21, Iris.

Abbiamo davvero bisogno di favole?

(Pubblicato su Trovacinema il 22 maggio 2002)

È facile teorizzare che la società contemporanea, per superare il nero delle proprie angosce, stia ripiegando sul pensiero magico. Il successo di Harry Potter e del Signore degli Anelli (prima), di Spider Man e Star Wars II (ora), rappresenta il bisogno collettivo di evadere da una realtà che appare insopportabile. Se si vuole sfuggire all’insostenibile pesantezza dell’essere, forse è meglio sperare in una irruzione salvifica del fantastico nel nostro quotidiano.

Ma è proprio così? Abbiamo davvero bisogno di tutte queste favole? Abbiamo effettivamente bisogno di eroi prodigiosi che ci rassicurano che il bene, nell’eterno conflitto col male, vince sempre e comunque? Abbiamo realmente bisogno di sconfinare nell’incredibile con le Guerre Stellari o di sublimare la banalità in compagnia del Grande Fratello?

Bamboozled

(Pubblicato su Kataweb Forum Cinema il 4 marzo 2003)

Spike Lee è un regista che difficilmente delude. Peccato che le sue ultime opere appaiano e scompaiano sui nostri schermi come fantasmi. Qualcuno ha ancora paura del suo radicalismo o che altro? Un paio d’anni fa, ad esempio, è uscito l’eccellente Bamboozled ma pare che nessuno l’abbia visto. Io stesso ho avuto modo di apprezzarlo solo ora, grazie ad un’interessante rassegna sul cinema indipendente americano proposta dall’Aiace di Torino.

Bamboozled (qualcosa come “fregàti”) racconta l’ascesa del capo nero di una televisione in crisi il quale, per salvare l'emittente, scrittura un ballerino di tip tap e decide di rilanciare il minstrel show: quel tipo di varietà, molto popolare nei primi decenni del ‘900, in cui attori bianchi si tingevano di scuro la pelle a scopo parodistico. Scriverà uno spettacolo, nel quale sono i neri stavolta a scurirsi, che otterrà un gran successo ma avrà ripercussioni sulla vita di tutti i protagonisti.

Il film descrive con ironia come l'industria dello show business abbia usato e consumato lo stereotipo a sfondo razzista del bovero negro, dello zio Tom e di Mami di Via col vento. L'idea di partenza è geniale e il piglio grottesco condito con un sentimento d’amarezza ben percepibile: la gente di colore non si dimostra più capace di reagire in maniera unanime alla supremazia culturale dei bianchi. Non è solo orientata da un’ideologia confusa e piena di contraddizioni, la sua stessa cultura si è appiattita su modelli che, in definitiva, non le appartengono.

Cosa dire ancora. A mio avviso ci sono soltanto due modi per fare un film: farlo bene o farlo male. Tutto il resto è anonimo. E Spike Lee rimane sempre una spanna sopra la media.

Bamboozled, di Spike Lee, con Damon Wayans, Tommy Davidson, Savion Glover, Jada Pinkett Smith (Usa, 2000, 135’). Sabato 16 giugno 2012, ore 23,00, Comingsoon Tv.

"Per i pellegrini nel tempo"

"Per i pellegrini nel tempo, la verità è altrove; il vero luogo è sempre a una certa distanza, lontano nel tempo. Dovunque il pellegrino sia ora, non è il luogo dove dovrebbe essere o sogna di essere. […] Quale scopo ha la città per il pellegrino? Per il pellegrino, solo le strade hanno un senso, non le case. In una terra tale, chiamata società moderna, il pellegrinaggio non è più una scelta del modo di vivere, […] è ciò che uno fa per necessità, per evitare di perdersi nel deserto; per dare al cammino un significato mentre vagabonda senza meta. […] Sia il significato che l’identità possono esistere solo in quanto progetti, ed è la distanza che permette ai progetti di esistere".

(Zygmunt Bauman, La società dell’incertezza. Fotografia scattata nel deserto siriano il 9 agosto 2008)

Cultura

Cultura è tutto ciò che non è natura, affermava Claude Lévi Strauss. Lidia De Federicis, la mia insegnante di lettere al liceo, proponeva un esempio chiarissimo: defecare appartiene alla sfera fisiologica, quindi della natura, i servizi igienici sono invece un prodotto culturale. E faceva riferimenti: il chiassetto della novella di Boccaccio, Luigi XIV che riceveva i suoi interlocutori seduto sulla tazza, la progressiva acquisizione di riservare ai bisogni corporali un ambiente apposito, la creazione di reti fognarie a Parigi e Londra, i bagni sui ballatoi ai primi del ‘900 e infine entro le mura domestiche come siamo abituati oggi.

C’è però un’altra definizione di cultura che a me piace tantissimo, quella data da Burrhus F. Skinner, psicologo comportamentista: cultura è ciò che resta nella memoria quando si è dimenticato tutto.

"Guardare da terra un naufragio lontano"

L’11 settembre 2001 non è stata (rap)presentata la realtà dei fatti ma il modo di (rap)presentarla – che è cosa diversa. In tal senso non è il cinema ad aver anticipato gli eventi, ma è la storia per immagini a essersi adeguata a una certa norma spettacolare di rendere la realtà. Insomma, è come se il regista della CNN e persino gli occasionali videoamatori che hanno documentato la catastrofe si fossero ispirati a King Kong e a Independence Day. Senza che ce ne rendessimo conto, la realtà veniva (rap)presentata proprio come l’aspettavamo. Quelle sequenze le avevamo già viste, facevano già parte del nostro immaginario.

L’attentato e il successivo crollo delle Twin Towers sono stati uno spettacolo di una potenza terribilmente grandiosa. Aerei che si schiantano contro grattacieli tra i più alti mai costruiti dall'uomo... Coloro che hanno ripreso quelle sequenze ne hanno subito il fascino perverso proprio come chi le guardava in televisione. Quanti di noi, quell’11 settembre 2001, sono rimasti ipnotizzati davanti allo schermo per tutto il pomeriggio: sconvolti dall’orrore eppure in qualche misura catturati, come san Giorgio davanti al drago. Per descrivere la fascinazione che un accadimento rovinoso suscita nell’animo umano, viene da scomodare Lucrezio: “È bello, quando sul mare si scontrano i venti e la cupa vastità delle acque si turba, guardare da terra un naufragio lontano…”.

L'effetto cinematografico non è stato casuale, è stato deliberato. I terroristi hanno scelto le Twin Towers perché rappresentavano un simbolo, ma sicuramente avevano previsto l’impatto spettacolare, oltre che emotivo, degli attentati. Hanno persino calcolato l’ora in cui questi si sarebbero svolti, le nove del mattino di New York, in modo che potessero avere la massima risonanza possibile. L'ora in cui il popolo americano si sveglia, accende la tv, prepara il pancake, dà un'occhiata alla CNN... Tutti quelli che hanno filmato o visto l’evento si sono comportati esattamente come quegli automobilisti che rallentano per guardare un incidente (i quali, a loro volta, sono spesso causa di ulteriori tamponamenti a catena). Effetto raccordo anulare, secondo Umberto Broccoli. Sfido chiunque a dire che il regista della CNN in quel momento non era sedotto dalla forza malvagia della visione come lo eravamo, noi spettatori inermi, ghermiti da quello spettacolo spaventosamente immane, da quella vita che in diretta si tramutava in morte.

Noi abbiamo visto ciò che qualcuno aveva deciso di farci vedere (non vado a scomodare Baudrillard). Ma una realtà in cortocircuito continuo con la rappresentazione di se stessa significa che non esiste più? In un mondo in cui l'esperienza sensibile dei fatti passa in secondo piano perché la maggior parte delle informazioni che riceviamo durante la giornata è mediata, cosa è reale? Chi si rifà a chi? Cosa si rifà a cosa?

Leaders, giullari e impostori

Wilfred Ruprecht Bion cominciò a lavorare come psichiatra militare tra gli anni Quaranta e Cinquanta del Novecento, allestendo e coordinando gruppi terapeutici di cui facevano parte reduci inglesi sofferenti di nevrosi post-traumatiche. Essendo membro della commissione di selezione degli ufficiali, escogitò un sistema originale: il gruppo senza leader. Prendeva un certo numero di candidati, assegnava loro un compito, quindi osservava come si organizzavano e, soprattutto, chi prendeva il comando. Studiando come veniva a costituirsi un tale gruppo, Bion notò che, in genere, giungono alla leadership le persone più disturbate mentalmente: isterici gravi o paranoici.

I miei venticinque lettori si preoccupino pure al pensiero delle implicazioni sociali e politiche di una tale affermazione. Fanno bene. Già Nietzsche – che di follia se ne intendeva – scriveva che se sapessimo in quali mani siamo, rispetto ai nostri governanti, ci si accapponerebbe la pelle. E Nietzsche non aveva ancora visto all’opera Gheddafi e Berlusconi! Uno psicoanalista olandese, Kets de Vries, si è preso la briga di analizzare le biografie di un numero cospicuo di leader – imprenditori, manager, politici, eccetera – dimostrando che risultano tutti fuori di zucca. Anzi, è proprio grazie alle loro patologie mentali che riescono ad assumere ruoli di potere.

Se vi stupite o (meglio!) v’indignate per l’iter francamente schizoide che sta avendo la manovra finanziaria di Tremonti (o di chi per lui), pensate al titolo del saggio di de Vries: Leaders, giullari e impostori. Ma non consolatevi troppo, proiettando sugli attuali governanti tutte le colpe della situazione assurda in cui ci troviamo. Ogni volta che ci troviamo di fronte a politici demagoghi, incapaci, bugiardi, disonesti, manipolatori, dobbiamo riflettere sul fatto che è il nostro gruppo sociale ad essere malato, in quanto essi ne costituiscono la libera espressione. Ed è di ciò che, in primo luogo, dovremmo allarmarci.

"La caratteristica delle dittature moderne"

"La caratteristica delle dittature moderne è tuttavia di non fondarsi unicamente sulla violenza […] ma anche sulla ricerca di un consenso popolare. Tale consenso viene ricercato soprattutto attraverso l’instaurazione di un rapporto privilegiato tra il leader e le masse. Si tratta di un rapporto di tipo emotivo, che presuppone da un lato l’utilizzo di rituali e di mezzi di propaganda efficaci, ma dall’altro anche la disponibilità dei soggetti a proiettare sul leader una forte carica affettiva. […] Saltando a piè pari – per così dire – tutte le istituzioni e le associazioni della società, il leader si propone a ciascuno dei suoi sottoposti come referente unico, unica incarnazione dell’autorità. Ma ciò è possibile solo se gli individui rinunciano effettivamente tanto alla propria individualità concreta quanto – almeno in una certa misura – al valore dei propri legami con gli altri: il che corrisponde per l’appunto alla loro riduzione a membri di una “massa”. Contemporaneamente, del resto, l’appello indifferenziato del leader contribuisce a sua volta a trasformare i singoli in atomi di una massa anonima, legata soltanto attraverso l’identificazione con il capo".

(Paolo Jedlowski, Il mondo in questione)

The Lion of the Desert

S’intitola The Lion of the Desert ed è un film che non vedremo mai nei nostri cinema. Quando nel 1981 uscì in Europa e negli Usa, il Ministero degli Esteri ne vietò la distribuzione ritenendolo lesivo dell’onore militare e tuttora permane “ufficiosamente” il divieto di circolazione. Io ho avuto la possibilità di conoscerlo per caso qualche anno fa, nella versione inglese, durante una rassegna estiva sul cinema africano.

Girato nel deserto libico e a Cinecittà sotto la regia di Moustapha Akkad, americano di origine siriana, The Lion of the Desert annovera nel cast attori di primo piano: Anthony Quinn, Rod Steiger, John Gielgud, Oliver Reed, Irene Papas. Classica produzione internazionale ad alto budget, venne parzialmente finanziato da Gheddafi che pretese anche l’inclusione di alcune sequenze. Il film è ambientato nei primi anni ‘30 durante l'occupazione italiana della Libia, la “quarta sponda”, il “posto al sole” che pretendeva Mussolini (qui impersonato da Rod Steiger), e racconta la strenua resistenza che le tribù beduine opposero al nostro esercito guidato dal generale Graziani (Oliver Reed). Eroe e protagonista del film è Omar el-Mukhtār (Anthony Quinn), soprannominato il leone del deserto, un maestro di scuola elementare che dimostrò doti inaspettate di strategia militare. L’esercito italiano incorse in più di una sconfitta, prima di sconfiggerlo grazie all’assoluta superiorità di uomini e mezzi.

L'occupazione guidata dal generale Graziani fu spietata e sanguinosa, vennero compiute brutalità tenute nascoste per anni negli archivi militari. Per stroncare la resistenza le coltivazioni furono distrutte, i pozzi avvelenati e l’intera popolazione della regione del Jebel Akhdar deportata. Circa centomila persone (il dieci per cento degli abitanti della Cirenaica) finirono imprigionate nei campi di concentramento approntati nel deserto della Sirte, dove in migliaia morirono di stenti. Contro i combattenti vennero inoltre usate armi proibite, come le terribili bombe chimiche all’iprite. Il 13 settembre 1931, Omar el-Mukhtār e i suoi uomini furono circondati e catturati in Cirenaica. Condotto a Bengasi, el-Mukhtār subì un processo-farsa davanti a una corte militare con l’accusa di alto tradimento. La condanna a morte venne eseguita nel campo di concentramento di Soluk all'alba del 16 settembre per impiccagione pubblica, davanti a ventimila compatrioti.

The Lion of the Desert propone una ricostruzione meticolosa che gli storici (anche italiani) hanno giudicato sostanzialmente corretta. In questo senso, alcune sequenze sono estremamente significative. Ad esempio quella in cui le camicie nere, approfittando dell'assenza di el-Mukhtār, invadono il villaggio e massacrano gli abitanti. In un’altra si descrivono le condizioni inaccettabili che i diplomatici fascisti presentano ad el-Mukhtar al tavolo delle trattative. Per converso occupa un posto di rilievo la figura positiva del colonnello interpretato da Raf Vallone, che evita una separazione manichea tra italiani cattivi e beduini buoni.

La verità è che, a ottant'anni di distanza, non siamo ancora in grado di fare i conti con la nostra disastrosa politica coloniale. Questa pagina oscura è stata praticamente relegata nell'oblio. Chi partecipò all’impresa nega tuttora i massacri e, soprattutto, l’impiego dei gas urticanti. Solo di rado i libri ne parlano in termini critici, limitandosi a descrivere i fatti bellici (magari rimasticando la propaganda fascista dell’epoca) o a citare le “opere di civilizzazione” compiute. Si tratta di un silenzio scandaloso, mantenuto anche grazie al boicottaggio cui è stato sottoposto questo film, che sfata lo stereotipo degli “italiani brava gente” e punta il mirino contro le atrocità commesse dai nostri soldati.

The Lion of the Desert di Moustapha Akkad con Anthony Quinn, Oliver Reed, Rod Steiger, John Gielgud, Irene Papas, Raf Vallone (Libia-Usa [!], 1980, 192’)

Prima pubblicazione: 29 gennaio 2007

 

Nota: Il 10 giugno 2009, in occasione della sua prima visita ufficiale in Italia, Muammar Gheddafi si presentò accompagnato dall'ormai anziano figlio di el-Mukhtār, con la fotografia che ne ritrae l'arresto appuntata al petto. L'11 giugno Sky mise in onda il film; in seguito lo replicò più volte, ponendo così termine a un caso di censura durato trent'anni.

La grande illusione

È un grande film di guerra, o, meglio, di pace. Renoir lo gira nel 1937, quando già si profila la possibilità di un nuovo conflitto su vasta scala.

Siamo durante la prima guerra mondiale in un campo di prigionia tedesco, dove i detenuti francesi tentano di organizzare un’evasione scavando una galleria. Per non insospettire e distrarre le guardie organizzano uno spettacolo, una specie di Moulin Rouge in cui si esibiscono en travesti. Durante la rappresentazione giunge la notizia che la postazione contesa di Fort Dumont è stata riconquistata dall'esercito di Francia: i prigionieri interrompono la rappresentazione per intonare la Marsigliese, espressione di amore per la patria e la libertà perduta. Ma prima che essi possano tentare la fuga, arriva l’ordine di deportazione in un altro campo.

Alcuni vengono trasferiti nella fortezza di Winterborn il cui comandante, l'aristocratico von Rauffenstein (Eric von Stroheim) è colui che ha abbattuto in combattimento aereo i prigionieri de Boïeldieu (Pierre Fresnay) e Maréchal (Jean Gabin). De Boïeldieu, nobile ufficiale dell’esercito francese, stabilisce una sorta di solidarietà cavalleresca con il comandante tedesco, nonostante la diversità delle divise; ma entrambi appartengono a una casta che di lì a poco verrà spazzata via dalla storia.

<< Non so chi vincerà questa guerra, ma chiunque la vinca, dopo non ci saranno più i Boïeldieu ed i Rauffenstein >>. << È il segno dei tempi che cambiano >>. << Sì, ma è un vero peccato >>.

De Boïeldieu, Maréchal e un terzo prigioniero, l'ebreo Rosenthal, cercano ancora di evadere. Maréchal e Rosenthal riescono, grazie al sacrificio di Boïeldieu che viene ucciso da Rauffenstein. I due sono soldati semplici di origine plebea, figli della rivoluzione francese, dei tempi che cambiano. Trovano rifugio presso una fattoria ai confini con la Svizzera, accolti da Elsa (Dita Parlo), una giovane vedova tedesca che li nasconde e li accudisce.

<< Questo è mio marito, morto a Verdun >>, dice Elsa mostrando alcune fotografie appese al muro. << I miei fratelli morti a Charleroi, Liegi, Tannenberg… le nostre grandi vittorie. E adesso quella tavola è diventata troppo grande >>.

Nonostante la tenera liaison che nasce tra la donna e Maréchal, la separazione è inevitabile. La fuga deve riprendere. I due francesi riescono a superare la frontiera con la Svizzera e a mettersi finalmente in salvo. La via verso casa è ora aperta.

La grande illusione resta una vetta nella storia del cinema. Passioni vibranti, amicizia sincera che supera le barriere di classe e di nazionalità, spirito antimilitarista di matrice anarchica, sostengono lo sviluppo della vicenda. Certo sentimentalismo appare oggi ingenuo, ma l'efficacia poetica della narrazione non è per nulla datata.

La grande illusione (La grande illusion), di Jean Renoir, con Jean Gabin, Pierre Fresnay, Eric von Stroheim, Dita Parlo (Francia, 1937, 114').

Ancora a proposito di Sarah

Fate memoria su come i media hanno trattato la figura di Sarah Scazzi. Al principio l’hanno descritta alla stregua di una puttanella: sotto la lente d’ingrandimento sono finiti il diario, i contatti su Facebook, le amicizie. Le fotografie che passavano sembravano ritrarre una giovane indossatrice, e per un po’ è stata prospettata l’ipotesi di un allontanamento volontario. Dopo la confessione dello zio e il ritrovamento dei poveri resti, stampa e televisione hanno invertito bruscamente la rotta, dipingendo a questo punto Sarah come una specie di martire.

I media sono dotati di un potere terribile: quello di attribuire etichette che possono trasformare concretamente l’immagine di una persona. Se i giornalisti chiamano “santo” o “mostro” qualcuno, l’etichetta prodotta avrà efficacia quasi indelebile sull’opinione pubblica.

Ma c’è un elemento ancora più inquietante. << Nella fascia oraria protetta, invocando il diritto alla cronaca e all’attualità, Rai e Mediaset stanno mandando in onda in questi giorni una vera e propria galleria degli orrori. Approfondimenti che sfiorano la morbosità sul penoso caso di Sarah Scazzi, corredati da descrizioni minuziose dell’omicidio, violenze, testimonianze shock di familiari e conoscenti. È una situazione francamente inaccettabile >>. Così affermava ieri Enzo Bianco, esponente del Pd.

Accadde la stessa cosa per la vicenda di Cogne. Eccitate dai media, schiere di curiosi armati di fotocamera si recano in questi giorni ad Avetrana in una sorta di pellegrinaggio voyeuristico. Tra loro e lo zio di Sarah, mi chiedo chi sia più matto.

Democrazia e disinformazione

Leo Strauss (1899-1973) è un filosofo tedesco esponente del cosiddetto pensiero neoconservatore. Avendo vissuto in prima persona il crollo della Repubblica di Weimar, ne trae la conclusione che la democrazia non può permettersi debolezze: occorre dunque definire chiaramente ciò che è “bene”, incarnato dai valori della società occidentale, e contrapporlo al “male”, che corrisponde a tutto ciò che si differenzia da questa cultura. L’amministrazione Bush si è ispirata a questa posizione, attuando politiche estere molto aggressive.

Ma c’è dell’altro. Ricollegandosi più o meno direttamente a Machiavelli, Strauss sostiene che le masse abbiano un’idea poco precisa del “bene”, perciò possano essere facilmente conquistate dai demagoghi. Di conseguenza ritiene legittimo che, in un regime democratico, i governanti ricorrano alla menzogna in nome della loro capacità di ravvisare e perseguire il “bene comune” meglio del popolo.

Ecco. Mi sono tornati alla mente Leo Strauss e i neoconservatori mentre scorrevo i titoli dei giornali di stamattina. Il killeraggio scientifico messo in atto contro Fini riconosce dei presupposti che potremmo definire filosofici: per difendere i propri interessi, spacciati per “bene comune”, Berlusconi si sente in diritto di utilizzare pratiche come la falsificazione e la disinformazione che con la democrazia nulla hanno a che spartire. Chiunque abbia a cuore le sorti delle nostre istituzioni dovrebbe sentirsi accapponare la pelle.

"Se fossi senza denaro allora neppure tu mi piaceresti"

26 novembre 1911 

"Cara moglie, ti informo che ho ricevuto le tue due lettere, e in entrambe non ho sentito nient'altro salvo la domanda se sarei tornato. Vedi, mio caro tesoro, sebbene mi scriva che amo il denaro più di te, ciononostante vedi che io amo te e il denaro, perché se fossi senza denaro allora neppure tu mi piaceresti, e quando ho una grande quantità di denaro allora anche tu mi amerai di più che senza denaro, perché quando abbiamo una grande quantità di denaro, quando ci riempiamo mangiando e bevendo, e quando ci vestiamo bene, allora sarà piacevole guardarsi l'un l'altro; allora ci ameremo ancora meglio e metteremo labbra su labbra, e il cuore batterà, e allora l'amore sarà migliore di come era quando eravamo affamati e stracciati, perché quando un uomo ha fame, allora non gli piace amare. Così, vedi, io voglio lavorare ancora per qualche tempo perché il lavoro sta andando non proprio nel modo peggiore, e io potrei guadagnare come non facevo prima. Così resterò per alcune paia di settimane e tu, mia cara, prega Dio per la salute, e questo tempo volerà via per te e per me come un momento. Così ti mando venticinque rubli per le feste. Di questo denaro da' due rubli e mezzo a ogni madre, e con venti rubli procura ciò che è necessario a te, e non girare affamata e gelata, perché io cerco di provvedere affinché non ci sia nessuna privazione. Quando ricevi il denaro allora rispondi subito. Ti congratulo per le feste di Natale. Non ho più niente da scrivere".

                                                                    Adam Struciński 

Questa lettera, scritta da un emigrante polacco negli Stati Uniti alla moglie, fa parte di un’imponente documentazione raccolta da W.I. Thomas e F. Znaniecki in un classico della sociologia contemporanea, Il contadino polacco in Europa e in America, pubblicato in cinque volumi tra il 1918 e il 1921. Oggi ci si riempie la bocca con termini quali società postmoderna, postindustriale, postcoloniale e quant’altro. Ma il contenuto della lettera, che risale a un secolo fa, suona tristemente attuale.